Violín I · Inés Montero
Violín II · Irene Fernández
Viola · Amaia Martínez
Violonchelo · Beatriz González Calderón
Contrabajo · Luis Miguel Carrasco
Flauta · Toni Molina
Oboe · Jacobo Díaz
Clarinete · Reyes Ortiz
Fagot · Luis Castillo
Trompa · Irene de la Orden
Percusión · Carlos Cansino
Coro de la
Sociedad Musical de Sevilla
Director asistente Juan Manuel Barahona
Julián Millán · barítono
Andrea Ramírez Ortegón · soprano
Bart Vandewege director
PROGRAMA
Johannes Brahms (1833-1897)
Un réquiem alemán · Ein deutsches Requiem
El título Ein deutsches Requiem encierra en realidad un significado muy distinto del que cabría esperar al leer la palabra réquiem. No se trata de música fúnebre en el sentido tradicional, ni de una misa de exequias, ni de un oratorio en sentido estricto. El objetivo de la obra no es el de una plegaria por el descanso eterno de los difuntos, sino, principalmente, el de dar consuelo a quienes soportan el dolor de la pérdida: es música para los vivos. Para los que se quedan.
Así, con este propósito de aliviar el sufrimiento de los que tienen que continuar con la ausencia de las personas amadas, Johannes Brahms elige determinados pasajes del Antiguo y del Nuevo Testamento —en la traducción alemana de Lutero— así como de algunos textos apócrifos, revelando un profundo conocimiento de los mismos que quedan enmarcados en una notable libertad espiritual.
Es más que probable que el deseo que albergaba Brahms de escribir una obra de estas características, y con esta temática, naciese ante la trágica muerte de su gran amigo Robert Schumann, en 1856, avivándose posteriormente con el fallecimiento de su madre, en 1865. En este sentido, puede decirse que Brahms compone desde la propia vivencia. En búsqueda de su propio consuelo.
La primera vez que Brahms utiliza el título Ein deutsches Requiem es precisamente en 1865, en una carta dirigida a Clara Schumann a la que acompaña el movimiento IV, y en la que, además de pedir su sincera opinión acerca del mismo, describe la obra como una especie de réquiem alemán. aludiendo con ello al idioma de los textos que le sirven de soporte, y no necesariamente a su nacionalidad o al público al que iba dirigido. Pero, a pesar de ello, la esencia misma de la obra queda perfectamente definida por el propio Brahms cuando comenta a Reinthaler, director musical de la catedral de Bremen, que en realidad hubiera preferido llamar a la obra «Réquiem humano».
Respecto de la propia estructura de esta peculiar y magistral obra, lo cierto es que no fue inicialmente concebida tal y como la conocemos hoy en día, con sus siete movimientos diferenciados bajo la rúbrica Ein deutsches Requiem —a veces, incluso, anunciada bajo el deseado título Réquiem humano— sino que ya antes de su estreno varios de sus fragmentos fueron interpretados por separado en distintas ocasiones.
Los movimientos I y II parecen haber sido compuestos con anterioridad a 1865. De hecho, para el segundo reutilizó algunos fragmentos compuestos en 1854, año marcado por la crisis psíquica y el intento de suicidio de Schumann, así como por el traslado de Brahms a Düsseldorf para ayudar a Clara Schumann y a sus siete hijos. El movimiento III nació durante una larga estancia en Karlsruhe, en casa de su amigo, el fotógrafo Julius Allgeyer, mientras que los movimientos VI y VII fueron compuestos en el verano de 1866 en Lichtental (cerca de Baden-Baden) y/o en Winterthur, para terminar añadiendo el actual movimiento V, en mayo de 1868. Es, precisamente, este postrero movimiento el que condensa el profundo mensaje que Brahms pretende con su obra, poniendo en voz de la soprano una suerte de nana en que nos anuncia con esperanza Ich Will euch trösten wie einen seine Mutter tröstet «os consolaré como una Madre consuela a su hijo» ante una realidad que no podemos eludir.
Ein deutsches Requiem se interpreta con frecuencia buscando una fuerza sonora excesiva y un volumen desmesurado, con tempi dilatados destinados a añadir una capa suplementaria de dramatismo, como si la obra hubiera nacido como una secuela de cualquier ópera o de, incluso, la Novena Sinfonía de Beethoven, lo que, habida cuenta la esencia, el carácter y el objetivo de la composición de Brahms posiblemente le hubiera desagradado.
Para esta ocasión he optado por una lectura más íntima de Ein deutsches Requiem que entiendo más acorde con el deseo de Brahms de acercarnos al estado de ánimo sombrío en el que se encontraba cuando compuso esta obra maestra, para después revelarnos y compartir con nosotros dónde encontraba él su propio consuelo.
Con ese objetivo, me he permitido introducir pequeños ajustes en las partes vocales e instrumentales originales de la obra, ya que la composición de Johannes Brahms suele interpretarse con gran orquesta o bien en su versión con acompañamiento de piano. Sin embargo, lo que escucharán esta noche es una propuesta diferente: una interpretación concebida para solistas, coro y orquesta de cámara en una versión nueva para muchos de ustedes, que espero logre acercarlos más profundamente al réquiem humano que el autor concibió.
Espero de todo corazón que esta música, cumpliendo el deseo de su autor, logre ofrecer consuelo y algo de belleza en un mundo que cada día gime más bajo el peso de la violencia en cualquiera de sus múltiples formas, el afán de guerra, los comentarios hirientes en las redes sociales y la prepotencia política.
Sigamos creyendo y esforzándonos por conseguir un «Mundo humano».
Bart Vandewege, marzo de 2026
LA SOCIEDAD MUSICAL DE SEVILLA
Fundada en septiembre de 2003, sus directores titulares han sido Alfred Cañamero (2004-2007), Israel Sánchez (2008-2013), Gabriel Díaz (2014-2020) Pedro Teixeira (2020-2024). La actual temporada artística 2025-2026 está dirigida por el maestro belga Bart Vandewege.
Su objetivo básico es trabajar programas de alto nivel, y su repertorio abarca desde el Renacimiento y el Barroco, a los que presta especial atención, hasta la música contemporánea. Ha actuado en el Cartuja Center, el Auditorio de la Escuela Superior de Ingenieros, las salas Joaquín Turina y Chicarreros de la Fundación Cajasol, el Teatro Lope de Vega, el Casino de la Exposición, el Teatro Casa Colón en Huelva y numerosos templos de la capital hispalense. Además, ha actuado en diferentes localidades de la geografía andaluza.
Ha realizado 47 producciones con más de 90 conciertos, 12 talleres, 2 cursos universitarios y 20 conciertos participativos, entre los que cabe destacar programas dedicados a Mendelssohn (Motetes, 2004), Mozart (Misericordias Domini, 2005, Requiem, 2018, 2025), Brahms (Motetes, 2006), Britten (Ceremony of Carols, 2007), Bruckner (Motetes, 2008), Janequin (Chansons, 2009), Purcell (Funeral Sentences, 2010), Victoria (Requiem, 2011, 2019, Responsorios, 2013, 2016), Gesualdo (2014), Scarlatti (Stabat Mater, 2015), Arvo Pärt (Passio, 2015), Mateo Flecha (Ensaladas, 2015), Vivaldi (Gloria, 2017), Händel (Dixit Dominus, 2017, The ways of Zion do Mourn, 2023) Tallis (Spem in alium a 40, 2017), Bach (Misa en Si menor, 2018, 2019, Oratorio de Navidad, 2022, Motete Komm, Jesu, Komm, 2023), Monteverdi (Vísperas, 2018), Schütz (Matthäuspassion, 2020), Leonard Bernstein (Chichester Psalms, Missa Brevis, 2024) y Franz Liszt (Via Crucis, 2024).
Desde su fundación, la Sociedad Musical de Sevilla invita regularmente a prestigiosos directores nacionales e internacionales a dirigir algunas de sus producciones o talleres, entre los que destacan, además de sus titulares, Mónica Huggett, Hans-Christoph Rademann, Gerard Talbot, Martin Schmidt, Rupert Damerell, Raúl Moncada, Raúl Mallavibarrena, Lionel Meunier (Vox Luminis) o Juan Ignacio Rodrigo.
Sopranos · Luz Alcaide García, Nieves Capote Maínez, María Luisa Carrillo Oliver, Mirentxu García Garmendia, Mame García Lazo, Maripepa González Vilchez, Ana Mancera Rueda, Carmen Elena Martínez Ortega, Estrella Oporto Navajas, Elena Oramas Martín, Lola Rivera García, Manuela Rivera García, Beatriz Sánchez Fernández · Altos · Elena Cabezas del Toro,Soledad Casals Pérez-Caballero, Nuria del Toro Espinosa, María José Espinosa Morán, Helena González Valero, Silvia Kluge, Valle Martínez Ortega, María José Meana Cubero, Elena Ollero Rosety, Gracia Romero Martín, Anke Windel · Tenores · Juan Manuel Barahona Rosales, Jorge Chica Álvarez, Luis Dueñas Brocal, Víctor Manuel Expósito Pachón, Eduardo Fernández Machuca, Alfonso León Navarro, Antonio Ponce García · Bajos · Juan Antonio Cabezas Garrido, José Manuel Calderón Miranda, Rodrigo Cano Márquez, Ander Leonardo Carrero Mogollón, Antonio del Pino Da Costa, Camilo Díaz Parejo, Manuel Domingo Espinosa Rodríguez, Luis Martínez Becerra.
JUAN MANUEL BARAHONA ROSALES · DIRECTOR ASISTENTE
Natural de Sevilla. Inicia sus estudios musicales en el C.P.M. «Francisco Guerrero» en la especialidad de piano con D. Juan Carlos Lax, posteriormente completa su formación con el pianista D. Mario Lamela. Es titulado Superior de Dirección de Coro por el «C.S.M. Manuel Castillo» de Sevilla, bajo la cátedra de D. Ricardo Rodríguez, así mismo prosigue su formación asistiendo a diversos cursos de dirección de coro y talleres corales impartidos por maestros como Johan Duijck, Lluis Vilamajó, Nuria Fernández, José Antonio Sanz Alfaro, Roland Börger, Josep Vila I Casañas, Alonso Gómez Gallego, Dante Andreo, Javier Busto y Basilio Astúlez, entre otros.
En sus 17 años de trayectoria profesional como director de coro, ha estado al frente de diversas formaciones corales, entre las que cabe destacar a la Camerata Vocal Concertante de Huelva, al Coro de la Universidad de Huelva, a la Coral San Felipe Neri de Sevilla, al Coro de Cámara Santa Cecilia Romana de Sevilla y al Coro Polifónico Orippo de Dos Hermanas que dirige actualmente. Buscando siempre la excelencia, desarrolla un repertorio muy diverso que abarca desde los grandes polifonistas del renacimiento hasta la música actual. Por otra parte, su interés por el repertorio sinfónico-coral lo ha llevado a afrontar obras como El Mesías de Händel, la Misa de la Coronación de Mozart, el Requiem de Mozart o el Requiem de John Rutter.
Ha actuado en el Teatro Lope de Vega de Sevilla dirigiendo a la Banda de las Cigarreras y en el Teatro Juan Rodríguez Romero de Dos Hermanas con el Coro Polifónico Orippo. En 2021 colaboró con el director de orquesta y compositor Manuel Busto dirigiendo su espectáculo titulado «Pandemia y Esperanza» junto a la Orquesta Sinfónica de Utrera. Ese mismo año, también preparó el coro para la interpretación del Requiem de Mozart actuando de nuevo junto a la Orquesta Sinfónica de Utrera en el Teatro Enrique de La Cuadra de dicha localidad y en el Teatro Pedro Pérez Fernández de Los Palacios y Villafranca bajo la batuta de Manuel Busto.
Su labor docente como profesor de coro lo ha llevado a recorrer casi toda la geografía andaluza. Actualmente ejerce en el Conservatorio Profesional de Música «Cristóbal de Morales» de Sevilla.
JULIÁN MILLÁN · BARÍTONO
Diplomado en Filosofía y Literatura Comparada, el barítono español Julián Millán inicia sus estudios de violín a la edad de cuatro años en la Academia de Música Zoltán Kodály de Murcia. Posteriormente estudia canto con Yolanda Vigil en Murcia, con Gerd Türk y Marcel Boone en Basilea (Schola Cantorum Basiliensis) y con Margreet Honig en Ámsterdam. Asimismo, se especializa en Lied con el pianista Wolfram Rieger. Ha recibido consejo de Carlos Mena, Dietrich Henschel, Andreas Scholl, Thomas Quasthoff y Christoph Prégardien, y realizado cursos de especialización en música antigua con David Mason y Richard Levitt.
Desde su debut en 2005, Julián Millán ha trabajado con directores de prestigio internacional como Pablo Heras-Casado, Iván Fischer, Philippe Herreweghe, Hans-Christoph Rademann, Jordi Savall, Leonardo García Alarcón, Daniel Reuss, Bernhard Forck o Martin Gester, entre otros, y colaborado con orquestas como Konzerthausorchester Berlin, Händelfestspielorchester Halle, Cappella Mediterranea, Collegium Vocale Gent, Le Concert des Nations, Freiburger Barockorchester, Dresdner Barockorchester, Rotterdams Philharmonisch Orkest, Gaechinger Cantorey, entre otras.
Julián Millán desarrolla una intensa carrera internacional que lo ha llevado a teatros y salas de reconocido prestigio como la Berliner Philharmonie, Berliner Staatsoper Unter den Linden, Dutch National Opera de Ámsterdam, De Doelen en Rotterdam, Festspielhaus Baden-Baden, Grand Théâtre de Luxemburgo, Auditori de Barcelona, Opéra de Lille, Liederhalle de Stuttgart, deSingel en Amberes, Grieg Hall en Bergen, Opéra de Vichy, Opéra de Reims, Palais des Beaux Arts de Bruselas, Concertgebouw de Brujas, Théâtre et Auditorium de Poitiers, Opéra-Théâtre de Saint-Étienne, Colégial St. Martin en Angers, Izumi Hall en Osaka, Hitomi Memorial Hall en Tokio, Basilique Cathédrale de Saint-Denis, etc.
Su repertorio abarca principalmente la ópera de los siglos XVII y XVIII, con especial énfasis en Monteverdi, Händel y Mozart. Entre sus roles cabe destacar Il Conte en «Le nozze di Figaro» de Mozart, Apollo y Pastore en «L’Orfeo» de Monteverdi, Orpheus en «Orpheus» de Telemann, Apollo en «La Dafne» de Marco da Gagliano, Noe en «Il Diluvio Universale» de Michelangelo Falvetti, Drunken Poet y Winter en «The Fairy Queen» de Purcell, Vater en «Hänsel y Gretel» de Humperdinck, entre otros. Asimismo, Julián Millán es un demandado especialista en música antigua y en el repertorio de J. S. Bach. Ha interpretado, entre otros, los oratorios El Mesías de Haendel, Membra Jesu Nostri de Buxtehude, Magnificat, Matthäus-Passion, Johannes-Passion y numerosas cantatas de J. S. Bach, así como Requiem de Fauré, Requiem de Duruflé, Fantasía Coral de Beethoven, Carmina Burana de Orff, etc.
Como parte de su actividad internacional, Julián Millán ha aparecido en prestigiosos festivales de Europa y Asia como el Musikfest Berlin, Musikfest Stuttgart, Bachwoche Stuttgart, La Folle Journée (Tokio, Kanazawa), Festival d’Ambronay, Festival de Haut Jura, Festival Les Résonnances St. Martin, Festival de Saint-Denis, Händel-Festspiele Halle, Internationale Händel-Festspiele Göttingen, Musica Antiqua Festival de Brujas, Bergen International Festival, Magdeburger Telemann-Festtage, Festival Internacional de Música y Danza de Granada, entre otros.
Además de su actividad artística, cabe destacar la labor de Julián Millán como investigador en Estética y Filosofía del Arte, con énfasis en filosofía de la música y estética musical, ámbitos en los que ha publicado artículos en revistas especializadas y presentado ponencias en congresos internacionales. Ha sido, además, investigador becado por la Fundación Séneca así como por la Comisión Fulbright en la Universidad de Maryland in College Park (EE. UU.).
ANDREA RAMÍREZ ORTEGÓN · SOPRANO
Andrea Ramírez Ortegón comienza sus estudios musicales en el Conservatorio Profesional de Música «Joaquín Villatoro» de Jerez de la Frontera en la Especialidad de Piano. Desde 2022 estudia canto en el Conservatorio Superior de Música «Manuel Castillo» de Sevilla junto a las profesoras María Dolores Segura, Cristina Bayón y Mónica Muñoz.
Participa en numerosas clases magistrales con destacadas personalidades del mundo del canto como Carlos Mena, Eduardo López Banzo, Carlos Aransay, Ofelia Sala, Pierangelo Pelucchi, Fabio Centanni, entre otros, siguiendo actualmente su formación con el contratenor Jorge Enrique García Ortega.
Como solista destacan sus intervenciones en los roles de Dido (Dido and Aeneas, H. Purcell), Jaffet (El diluvio de Noé, B. Britten), Sor Mathilde (Dialogue de Carmelites, F. Poulenc) junto al elenco formado por Ainhoa Arteta, Ángeles Blancas y Nicola Beller Carbone y recientemente Escila y Circe en la Zarzuela Barroca Veneno es de amor la envidia de Sebastián Durón.
En el campo del Oratorio ha cantado como Soprano solista el Stabat Mater de G. B. Pergolesi, Gloria en Re de A. Vivaldi, Die Sieben letzten Worte unseres Erlösers am Kreuze de J. Haydn, la Krönungsmesse y el Requiem de W. A. Mozart, el Te Deum y Miserere de Nicolás Zabala, Stabat Mater de Antonio Maqueda y el estreno en tiempos modernos de el Officium Defunctorum de Diego Durón en el Teatro Pérez Galdós de Las Palmas de Gran Canaria.
Ha cantado en el Festival de Música Española de Cádiz, Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza, Festival de Atrium Musicae impulsado por la Fundación Atrio de Cáceres, en los ciclos Universo Barroco y Salamanca Barroca gestionados por el Centro Nacional de Difusión Musical y en el ciclo Bachcelona organizado por la Fundació Orfeó Català-Palau de la Música lo que le ha permitido trabajar bajo la dirección de Carlos Mena, Nacho Rodríguez, Francesc Gamón, Marco Antonio García de Paz y Jorge Enrique García Ortega.
Es miembro de La Real Capilla y canta regularmente en diferentes grupos como Los Afectos Diversos, el Conjunto Vocal Virelay (Capilla de Música de la Catedral de Cádiz), la Orquesta Barroca de Cádiz, el Coro Barroco de Cádiz, La Capilla de Música Maestro Iribarren, además colabora con el Joven Coro de Andalucía y el Coro del Teatro de la Maestranza.
BART VANDEWEGE · DIRECTOR
Bart Vandewege es un compositor, director, cantante y productor belga establecido en Madrid. Como músico versátil que es, estudió tanto teoría musical (esencialmente armonía, contrapunto y composición) como flauta travesera, canto y piano en los conservatorios belgas de Lovaina, Bruselas y su ciudad natal, Gante. Movido por su enorme curiosidad, se especializó además en música antigua, música contemporánea y jazz. Ha participado en clases magistrales de dirección orquestal con Salvador Mas y Arturo Tamayo, enfocadas en el repertorio romántico y contemporáneo, así como en clases magistrales de canto en conjunto con los King’s Singers.
Además de su formación musical, recibió clases de artes plásticas y escritura creativa en la Universidad de Lovaina, disciplinas que le han servido como herramienta de inspiración en su faceta como compositor. Como apasionado docente, ha impartido clases magistrales en el Conservatorio Superior de Sevilla, la Universidad Carlos III de Madrid, la Universidad de Valladolid, la Universidad Menéndez Pelayo en Cuenca, la Diputación de Albacete y el proyecto Joconde (Joven Coro Nacional de España), entre otros.
Muy solicitado como cantante, domina un repertorio que abarca desde la polifonía del siglo xvi hasta obras como ‘Rothko Chapel’ (Morton Feldman) o ‘Einstein on the Beach’ (Philip Glass). Canta con prestigiosos conjuntos como Collegium Vocale Gent (Philippe Herreweghe), Vox Luminis (Lionel Meunier), Gli Angeli Genève (Stephan MacLeod), Bach Collegium Japan (Masaaki Suzuki), Il Gardellino (Marcel Ponseele), Voces Suaves (Tobias Wicky), Amsterdam Baroque Choir (Ton Koopman), Huelgas Ensemble (Paul van Nevel), Euskal Barrokensemble (Enrike Solinis), Le Concert Spirituel (Hervé Niquet), Plus Ultra (Michael Noone), Sette Voci (Peter Kooij), La Petite Bande (Sigiswald Kuijken), Concerto Köln, Utopia –grupo del que es fundador– Il Giardino Armonico, Freiburger Barockorchester y Akademie für Alte Musik Berlin.
Por otra parte, ha trabajado como bajo con directores como Ivor Bolton, Francesco Corti, Marcus Creed, Alan Curtis, Roy Goodman, Bernard Haitink, Thomas Hengelbrock, Christopher Hogwood, René Jacobs, Robert King, Gustav Leonhardt, Peter Phillips, Kaspar Putniņš, Peter Rundel, Skip Sempé, Jos Van Immerseel o James Wood, entre otros.
Ha participado, igualmente, en numerosas grabaciones y conciertos con orquestas de renombre internacional, incluyendo la Filarmónica de Viena, la Orquesta del Concertgebouw de Ámsterdam y la Staatskapelle de Dresde, en Europa, Estados Unidos y Asia.
Como director invitado del Vlaams Radio Koor, Bart Vandewege ha realizado diversas grabaciones de obras olvidadas de compositores que van desde Fétis y Lemmens hasta figuras vanguardistas como Elliott Carter. Como director asistente, ha dirigido, entre otros, La Chapelle Royale, Collegium Vocale Gent, Il Gardellino y el Amsterdam Baroque Choir, por encargo de Gustav Leonhardt, Peter Phillips, Philippe Herreweghe, Ton Koopman y Eduardo López Banzo.
En 2008 fue nombrado director artístico del coro Al Ayre Español. También es el director artístico del conjunto La Hispanoflamenca, especializado en polifonía de los siglos xvi y xvii de los Países Bajos y la Península Ibérica, con directores invitados como Gustav Leonhardt, Monica Huggett y Enrico Onofri.
Bart Vandewege compone principalmente para teatro, cine y danza, por encargo de diferentes compañías europeas de teatro, así como de directores cinematográficos, la Radio Televisión Belga (VRT), Les Ballets C de la B (Alain Platel) y Ars Animación España/México – Film Animation Studio, entre otros. En sus composiciones utiliza una técnica inspirada en el contrapunto de los polifonistas flamencos de los siglos xvi y xvii, pero aplicada al lenguaje sonoro actual y elaborada a basa de varias líneas horizontales superpuestas a modo de láminas. Sus melodías-en-las-melodías, así frecuentemente llamadas por los críticos, son características.
Hasta 2004 ha sido programador de Radio 3/Klara (VRT Bruselas), desarrollando actualmente una intensa actividad como productor en grabaciones, tanto sonoras como audiovisuales, cuyo repertorio se extiende desde la música antigua hasta la contemporánea. Resultan destacables sus trabajos con Zemlinsky Quartet, Pablo Giacometti, Veritá Baroque, Ariel Abramovich, Maria Cristina Kiehr, La Guirlande, Cantoría, Pierre Goy, así como sus grabaciones de obras de estreno mundial con música de Antonio Literes, Francesco Corselli, Mauricio Kagel y Cristóbal Halffter, para sellos discográficos como Glossa, Naxos, Evil Penguin, Antarctica, Challenge Records, Et’Cetera, Vanitas, Verso e Itinerant. Su plural destreza como músico resulta ventajosa en la supervisión artística de grabaciones, siendo su objetivo el obtener lo mejor de los intérpretes en un tiempo limitado, permitiendo a la vez que se expresen con libertad.
En 2022, Bart Vandewege creó su propio canal de Vimeo, en el cual se puede seguir una selección de sus creaciones audiovisuales.
